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Crossover podcastero coruño




Dicen que el verano es época de vacas flacas en lo que a producción podcastera se refiere. Eso dicen, pero se equivocan. Bueno, no lo hacen, pero nos hemos empeñado en llevar la contraria. En plena visita a la ciudad de La Coruña, una de las participantes habituales de Críticas Sobre La Marcha -la pequeña Alba- y un servidor hemos participado en uno de los programas de un podcast amigo. Se trata de las coruñesas Somos unas Goonies, que, con ese acento, casi da igual de que hablen. En esta ocasión, tocó comentar Drive, la más mediática de las obras del danés Nicolas Winding Refn, con Ryan Gosling a la cabeza. Una experiencia fantástica, en la que intentamos decir algo valioso entre carcajada y carcajada. No sabemos si lo hemos conseguido, pero el buen rato ha hecho Historia. Bajo estas líneas, el acceso a dicho podcast:





Texto para Revista Insertos




Si ayer publicaba la primera parte, hoy llega la segunda, en la que mantengo la dinámica de analizar la sección Política, película a película. Este apartado del Atlántida Film Fest se está mostrando especialmente decepcionante, a pesar de películas como Metamorphosis o Boye. Como ya comentaba en la crónica anterior, el festival se tiene que plantear seriamente si para la siguiente edición quiere mantener este enfoque, porque la media de películas de todas las secciones es de aprobado raspado, lo que contrasta con el gran nivel ofrecido el año pasado. Bajo estas líneas, el texto prometido:




Texto para Nokton Magazine




El Atlántida Film Fest, en líneas generales, está siendo una decepción, pero esto no impide que se hayan colado algunas películas que se podrían catalogar como imprescindibles. Una de ellas es La extranjera (Miguel Ángel Blanca, 2015), de la que ya he escrito aquí. Otra es Berserker, la nueva película de Pablo Hernando, que hace unos meses llegó a la cartelera española con Esa sensación, película dirigida junto a Juan Cavestany y Julián Génisson. Este último es el actor principal de Berserker, un thriller raruno que se mueve en los terrenos del posthumor y la comedia existencial. Junto a él, la siempre fantástica Ingrid García-Jonsson, que ya mostró a las claras sus intenciones en el mundo del cine con su poderosa actuación en Hermosa juventud (Jaime Rosales, 2014), de la que en su día ya escribí para Nokton Magazine. En resumidas cuentas, Berserker es otro acierto más de una cinematografía, la española, que en los últimos años viene dando auténticas joyas en los márgenes de la producción. Bajo este desglose de halagos, el enlace al texto en el que los continúo:



Análisis en formato audio




El documental está de moda. El género que todo el mundo asocia a temas aburridos, narrados en un tono soporífero, de repente ha encontrado su filón en historias turbias guionizadas como el mejor de los thrillers de ficción. Uno de los casos más destacables del pasado 2015 fue The Jinx, documental seriado de la HBO que recoge una extensa entrevista a Robert Durst, oscuro personaje de la Historia mediática del siglo XX y XXI de EE.UU. Una obra que aporta luz sobre una persona controvertida y habitualmente retratada como un criminal. ¿Realmente lo es? Échale un vistazo a The Jinx y saca tus conclusiones. De momento, aquí tienes un podcast en el que analizamos la serie (por supuesto, SIN spoilers):



Análisis en formato audio




Denis Villeneuve prosigue en su idea de convertirse en uno de los mejores directores de cine comercial. El canadiense es capaz de encontrar la autoría en las grandes producciones, y, de la misma manera que su compañero David Fincher, reivindica un cine de acción de calidad, que deje a un lado el efectismo de las explosiones y los efectos especiales para centrarse en el adecuado uso de los recursos cinematográficos. Una narración colosal, vaya. Le he dedicado un podcast a su última y probablemente mejor película, Sicario, que puedes escuchar en la ventana que aparece debajo de estas líneas. Vibra con una obra espectacular, que en su día incluí entre lo mejor de 2015:

Sicario (2015) - Denis Villeneuve



Denis Villeneuve confirma su talento para el manejo de grandes producciones. Si con Prisioneros (2013) se posicionaba en esta línea, con Sicario (2015) la traspasa. El canadiense se aproxima al modelo de David Fincher y su cine comercial de autor, aunque cada uno lo desarrolla de una manera personal y diferenciada. Villeneuve es más denso y su estilo visual es menos llamativo. Su ritmo es más pausado, cauteloso, observador. El film avanza contundente, como pisadas de gigante hacia el lado oscuro de las fuerzas del orden que combaten el narcotráfico. La narración es seca y no excede en piruetas visuales, entregada a la tensión con estallidos de violencia muy puntuales. El fuera de campo domina los momentos más sugerentes y el aliento se hiela en su tramo final, cuando la película se desmarca como una obra portentosa.


No te la puedes perder si:


-no tuviste suficiente con Traffic (2000).
-necesitas un ejemplo para señalar que el cine de acción puede ser magnífico. 

Texto para MySofa


Comparto el texto que he publicado en el medio digital mySofa, en el que analizo la película Golpe de Estado (2015). Acción a raudales que recuerda a las glorias ochenteras de McClane y su Jungla de cristal (1988), hotel de lujo incluido. 


Y siempre puedes echarle un ojo a la versión reducida, en 30 segundos:

Golpe de Estado (2015) - John Erick Dowdle


Porque ser John McClane tiene su mérito, no toda película de acción triunfará por el mero hecho de existir. Y dentro de este género, la acumulación de explosiones y peleas no es directamente proporcional al grado de entretenimiento. Más que en la velocidad, la clave está en el ritmo, y en esto Golpe de Estado (2015) es opuesta a Jungla de cristal (1988), de la que tanto bebe. Al igual que Nolan con 2001: una odisea del espacio (1968) al realizar Interstellar (2014), Dowdle no entiende, o no quiere entender, a su referente. El colapso llega por la monótona superposición de situaciones idénticas, basadas en el frenesí y filmadas con una cansina cámara lenta pretendidamente intensa. Ni personajes interesantes, ni duelos dialécticos, ni variación de ritmo en esta cinta de plomiza monotonía y planicie tonal. 


No te la puedes perder si:


-quieres entender el valor cinematográfico de Jungla de cristal.
-te apetece ver a Pierce Brosnan como un James Bond resacoso.

Blackhat: amenaza en la red (2015) - Michael Mann


¿Cómo salvar una película cuando el guion hace aguas? En una trama enrevesada, que busca complicación para aparentar complejidad, sólo queda hacer un buen uso de las imágenes. Michael Mann, portento del thriller y quien sabe si el realizador que mejor rueda un tiroteo -Heat (1995)-, da personalidad con su lenguaje cinematográfico a un proyecto lastrado de partida. Acción trepidante cámara en mano compagina con la intimidad del plano cortísimo -cortando la frente, marca de la casa- y las escenas de interior. Su capacidad para acercarse a sus personajes les aporta la poca profundidad que el guion les ha reservado, en un thriller descompensado que logra los mejores momentos cuando la trama deja paso al despliegue visual.

No te la puedes perder si:


-quieres ser consciente de las trampas habituales del thriller enrevesado.
-te apetece una lección de buen hacer narrativo.

Texto para Cine Divergente


Cuando Jim Jarmusch se transmuta en farsi pero mantiene sus ambientes característicos y su fotografía en blanco y negro, quizás sea porque realmente estamos ante otro cineasta. En este caso, ante una mujer, Ana Lily Amirpour, que presenta su opera prima A girl walks home alone at night (2014), cine de vampiros de tendencia nouvellevaguiense que supone una reinvención del género. Perteneciente al repertorio del Atlántida Film Fest (AFF), supone mi tercera crítica dedicada a este festival, dentro de la cobertura que hemos ofrecido desde la web Cine Divergente.


Si te interesa leer más sobre este festival, aquí comparto las otras entradas que le he dedicado:

El niño 44 (2015) - Daniel Espinosa


Anglosajones interpretando a personajes soviéticos que hablan en inglés con acento ruso. ¿Qué puede salir mal? La dirección de Daniel Espinosa es sólida dentro de los estándares del clásico, como clásico es el guión en el que el proyecto se aposenta. Nada se le puede echar en cara a este producto a nivel técnico o de confección de tramas, pero penetrante es el olor a intrusismo cultural que destila. En todo momento se nota el trazo grueso de la mano extranjera a la hora de manejar un relato que se esfuerza en retratar a la Unión Soviética de mitad del siglo XX. No sorprende que la narración tome los derroteros del thriller y deje de lado la ambientación y la contextualización histórica. Decisión respetable, pero el camino fácil. No hay riesgo en la propuesta, y, cuando esto ocurre, el riesgo está en pasar desapercibida. 


No te la puedes perder si:


-Te aburren los gulags y los soviets; ¡tú lo que quieres es tensión!
-Te interesa todo lo que huela a Segunda Guerra Mundial.

Todo lo que Christopher Nolan siempre quiso hacer y nunca se atrevió a rodar


    El afán de David Fincher por aprovechar el metraje e introducir lo antes posible al espectador en la dinámica de la película roza límites insospechados. Si en La red social (2010) los riffs de Jack White se colaban durante la presentación de la productora para introducir la famosa escena del bar, en Perdida (2014) elabora un rápido collage de la ciudad en la que tendrá lugar la acción, apenas una ráfaga de imágenes de la que a duras penas se extrae la primera capa de información. Una inteligente metáfora del juego al que se dispone a jugar. Porque, sin duda, es su juego y son sus reglas, y esta vez toca el juego de las apariencias.



Las pantanosas raíces del mal


    El cine de Terrence Malick la retrata como el máximo exponente de pureza, como ese eterno Edén a alcanzar (Malas tierras, 1973; El Nuevo Mundo, 2005). El de Carlos Reygadas, sin embargo, se decanta más por la dualidad de su esencia (Japón, 2002; Post Tenebras Lux, 2012). Éste último es el camino que Alberto Rodríguez (Grupo 7, 2012) toma para plasmar su idea de Naturaleza: ese lugar tan bello como siniestro, en el que sus espectaculares paisajes quedan irremediablemente matizados por su inherente salvajismo, que oscurece todo lo que alberga, funcionando como un personaje más, el más relevante, el más temible.

Trash Art



A lo largo de toda su filmografía, Quentin Tarantino ha venido demostrando su inmenso dominio de los esquemas cinematográficos, lo que le permite tomar una premisa clásica y transformarla a su antojo, ofreciendo un producto fresco, novedoso y rompedor, que no se olvida de dónde procede y al que referencia constantemente, en una suerte de reciclaje metacinematográfico, que, partiendo de ésta, su ópera primera, se convertirá en su sello de identidad.